Créer des storyboards est un excellent moyen de cartographier votre film et de créer une vision claire pour chaque scène, et c'est vraiment facile de commencer ! Nous avons élaboré un guide pour vous expliquer tout ce que vous devez savoir pour dessiner vos propres storyboards comme un professionnel. Consultez les étapes ci-dessous pour apprendre à créer un modèle de storyboard, proposer des plans intéressants et remplir vos storyboards avec des dessins, des dialogues et toutes les notes importantes que vous avez.
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Méthode 1 sur 3: Storyboarder une scène
Étape 1. Complétez votre script avant de vous lancer sur les storyboards
Si le script est un modèle pour le son d'un film, un storyboard est le modèle pour son apparence. Les storyboards sont la façon dont vous visualisez comment les acteurs, les accessoires, les arrière-plans et les angles de caméra s'intégreront dans une scène ou une séquence de plans particulière. C'est votre chance de cartographier visuellement le film avant que des caméras, des acteurs et des équipes coûteux n'attendent sur le plateau.
Cela dit, l'un des travaux d'un storyboarder est de prendre le script et de l'améliorer en ajoutant des visuels. Vous devez connaître l'arc complet de l'histoire avant de commencer
Étape 2. Dessinez des carrés pour chaque scène, en laissant de la place pour le dialogue en dessous
Une fois que vous avez écrit votre script et que vous avez une idée de ce qui va se passer dans votre film, procurez-vous du papier ou du carton pour assembler votre storyboard. Comme une bande dessinée, chaque carré représente un plan ou une scène et l'espace en dessous est l'endroit où vous remplissez le dialogue, les notes ou l'action.
Bien que vous puissiez dessiner vos propres planches, il existe de nombreux modèles gratuits en ligne que vous pouvez imprimer pour commencer à dessiner immédiatement
Étape 3. Établissez l'emplacement et tous les objets importants dans votre première boîte de la scène
La fonction la plus importante du storyboard est de montrer à quoi ressemblera le plan. Pour votre premier tableau, vous aurez besoin de tous les détails essentiels pour que les personnes qui le lisent sachent où ils se trouvent. Lorsque vous vous demandez quoi inclure, posez toujours la question: « est-ce essentiel pour comprendre la scène ? »
- Chaque fois que vous changez d'emplacement, vous devez dessiner un nouvel arrière-plan. N'oubliez pas que vous racontez l'histoire visuellement. Essayez d'imaginer ce que vous auriez besoin de voir si c'était un film.
- Si l'arrière-plan ne change pas entre les prises de vue, vous pouvez le laisser vide et vous concentrer sur l'action.
Étape 4. Utilisez les flèches et les notes pour montrer tout mouvement ou changement
Par exemple, si vous voulez qu'un personnage en frappe un autre, vous n'avez pas besoin de dessiner cinq images de son poing se déplaçant lentement vers un visage. Au lieu de cela, dessinez un cadre du poing avec une flèche indiquant le mouvement.
Vous pouvez également utiliser des flèches pour indiquer les mouvements de la caméra, tels que les panoramiques ou les inclinaisons
Étape 5. Remplissez le dialogue et les sons de la scène sous le dessin
N'oubliez pas que vous créez essentiellement une version bande dessinée du film, vous devez donc également ajouter des effets sonores essentiels. Ne vous inquiétez pas si tout ne rentre pas - vous donnez simplement des marqueurs au réalisateur et à l'équipe sur l'endroit où le son est apparié, donc les ellipses ("…") peuvent aider.
Étape 6. Créez une nouvelle image pour chaque action ou mouvement de caméra significatif
Chaque fois que quelque chose se produit, il a besoin de sa propre boîte. Si vous prolongez une conversation, vous voudrez passer d'un personnage à un autre pendant qu'il parle, ainsi que quelques clichés des deux en même temps. Vous devez dessiner chacun de ces décalages individuellement.
Vous ne pouvez pas simplement dessiner 1-2 cases et dire « coups alternés » pour une conversation. Imaginez une scène où une mère est en colère contre son fils pour avoir cassé une lampe. Montrer le tout du fils triste ou effrayé est une scène très différente de montrer la mère furieuse tout le temps, de couper d'avant en arrière ou de montrer la lampe cassée
Étape 7. Remplissez les notes essentielles sur le mouvement, les sons ou les effets spéciaux
Si une scène nécessite un peu de faux sang, notez-la soit à l'aide d'un stylo rouge, soit par écrit. Si la prise de vue nécessite une prise de vue longue et continue, utilisez les flèches pour indiquer comment tout s'enchaîne. Bien qu'il existe des termes appropriés pour tout cela, la chose la plus importante est de raconter visuellement l'histoire comme vous le pouvez. Si cela a du sens comme guide de tournage, mettez-le.
Si la caméra ne coupe pas, mais qu'il se passe beaucoup de choses, vous pouvez utiliser plusieurs boîtes pour une "coupe". Chaque fois que quelque chose se passe, vous avez besoin d'un nouveau boîtier, même si la caméra ne bouge pas
Méthode 2 sur 3: Améliorer vos storyboards
Étape 1. Trouvez des moyens d'exprimer visuellement les thèmes du script
Ne laissez pas le script « parler de lui-même »; Les meilleurs films sont thématiquement liés à tous les niveaux: écriture, scénarisation, effets sonores, jeu d'acteur, etc. C'est votre travail de prendre un bon scénario et de le transformer en superbes visuels. Pour chaque scène, demandez-vous quel est le but de la scène, quelle est l'ambiance ou le ton, et quels sont les accessoires, personnages ou moments les plus importants. Comment pouvez-vous attirer l'attention sur ces choses?
- Trouvez l'élément le plus crucial de la scène et trouvez un moyen d'attirer l'attention du public sur celui-ci dans chaque plan, en l'agrandissant, en le centrant, en le zoomant, etc.
- Gene Wilder n'était pas un storyboarder, mais il pensait comme un comédien visuel. Dans Willy Wonka, la célèbre intro où il trébuche "accidentellement", tombe et roule sous des applaudissements bruyants a été rédigée par lui comme un moyen de dépeindre Wonka comme amusant, étrange et se cachant derrière une façade comique.
Étape 2. Évitez les compositions plates en deux dimensions en orientant toujours la caméra
Ce que vous ne voulez pas, c'est un sol complètement plat, où la caméra est à angle droit par rapport au sol. Incliner légèrement la prise de vue donne à votre storyboard trois dimensions, même s'il ne s'agit que d'un léger décalage. Les plans directs ne sont presque jamais aussi excitants que les compositions 3D dynamiques.
- Utilisez également le premier plan et l'arrière-plan à votre avantage - ne placez pas chaque personnage ou chose sur la même ligne de profondeur.
- N'oubliez pas non plus l'arrière-plan lointain - c'est un bon endroit pour créer de la profondeur.
- Bien sûr, il existe de nombreuses raisons pour enfreindre cette règle, comme la création d'un plan parfaitement symétrique. Sachez simplement pourquoi vous enfreignez la règle avant de le faire.
Étape 3. Fournissez la motivation pour couper la caméra au lieu de simplement changer la prise de vue
Habituellement, c'est évident -- si un autre personnage parle, vous devez le couper pour le montrer. Si quelqu'un entend un bruit derrière lui, vous coupez à l'endroit d'où vient le bruit. Toutes les bonnes coupes doivent avoir une raison de se produire - que ce soit l'intrigue, les personnages, l'attention changeante ou un choix purement artistique.
L'une des coupes les plus célèbres de tous les temps est en 2001: A Space Odyssey, où le réalisateur Stanley Kubrick passe d'une arme volante à un satellite dans l'espace. Dans une coupe, il comble le fossé entre l'homme primitif et l'homme futur tout en laissant entendre que peu de choses ont changé, sauf le cadre
Étape 4. Utilisez l'angle d'une caméra pour indiquer les relations et les sentiments des personnages
L'angle de votre prise de vue indique au public ce que vous ressentez à propos des personnages ou des scènes. Vous pouvez utiliser ce fait de manières infinies et devriez toujours vous demander comment votre angle de caméra aide ou gêne le point de la prise de vue. Par exemple:
- Regarder de haut un personnage le fait paraître faible, craintif ou impuissant. En levant les yeux, quelqu'un semble puissant, confiant et dominant.
- Des angles extrêmes comme des plans très hauts, très bas ou titrés montrent de la confusion, de la peur ou une expérience décalée comme un trip de drogue.
Étape 5. Essayez d'écrire la scène en prose si vous avez du mal à démarrer
S'asseoir et commencer la scène, faire des choix difficiles comme l'angle de la caméra et la composition, est difficile si vous ne savez pas encore dans quelle direction vous voulez prendre les choses. Une bonne étape intermédiaire consiste à écrire la scène comme une nouvelle. Quelles parties apparaissent comme importantes, quels détails ressortent pendant que vous écrivez et quelles sont les actions clés de chaque plan ? Vous pouvez ensuite éditer ce mini-script comme un exercice d'entraînement avant de dessiner.
Tenez-vous en à seulement 1 à 2 descriptions pour chaque plan ou scène. Vous n'écrivez pas un roman, vous écrivez un guide
Étape 6. Étudiez la cinématographie
Les storyboards sont, par essence, des plans d'entraînement d'un film. En tant que tels, leur objectif est d'utiliser les tableaux pour installer de véritables lumières, caméras et décors pour imiter le plan que vous avez dessiné. Plonger profondément dans les types de prises de vue, la composition des couleurs, les angles de caméra, etc. augmentera considérablement votre boîte à outils en tant que créateur de story-board.
Dessiner un storyboard est bon marché, mais pas le tournage. Si vous travaillez sur un film plus grand, vous devez connaître la difficulté approximative des plans pour savoir s'ils sont réalisables. Les prises de vue en hauteur peuvent sembler étonnantes et correspondre au film, mais le tournage en hélicoptère coûte très cher
Méthode 3 sur 3: Storyboarder comme un professionnel
Étape 1. Apprenez la terminologie des angles de caméra courants
Ne comptez pas uniquement sur le dessin pour faire passer votre message - le monde du cinéma regorge de vocabulaire qui facilite votre travail et rend vos storyboards plus précis. L'écriture des angles de caméra aide les équipes de tournage à voir rapidement pour quels plans ils doivent se préparer et vous permet de voir si vous devenez accidentellement répétitif avec votre choix de plan.
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Établir les plans:
Plans rapides qui illustrent l'ensemble, l'emplacement ou la position de départ des personnages.
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Plein, moyen, proche, très proche:
Si vous montrez un personnage, combien montrez-vous ? Full (FS) montre tout le corps, Medium (MS) montre la taille, Close (CU) montre les épaules et la tête, et Extreme Close Up (ECU) les chaussures du visage uniquement.
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Tir vers le haut / Tir vers le bas:
Les Up Shots regardent un personnage, tandis que les Down Shots regardent d'en haut. "Worm's Eye" et "Bird's Eye" sont les versions extrêmes de chacun.
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Sur l'épaule (OTS):
L'un de vos termes les plus importants, ces plans ont une personne ou une chose sur le côté du cadre, dos tourné, tout en regardant une autre. Très fréquent dans les conversations entre deux personnes.
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Deux coups:
Lorsque les deux personnages, qui se parlent généralement, sont tous les deux dans le cadre à la fois. Lors du dessin du dialogue, les plans doubles alternent souvent avec les plans OTS.
- Prises de vue en POV Sont simplement lorsque la caméra imite le point de vue d'un personnage.
Étape 2. Familiarisez-vous avec les mouvements de caméra pour illustrer des plans en mouvement ou en changement
La liste suivante n'est en aucun cas exhaustive, mais c'est une bonne introduction à l'écriture de storyboards cohérents. Chaque fois que vous souhaitez en ajouter un, écrivez le mouvement réel de la caméra sur le storyboard.
- Suivi c'est quand la caméra suit l'action sans couper, comme suivre quelqu'un qui marche dans la rue. Utilisez des flèches pour indiquer le mouvement et plusieurs images si nécessaire.
- Des casseroles se produisent lorsque la caméra tourne simplement dans une direction, suivant souvent un personnage lorsqu'il se déplace ou exposant quelque chose à proximité. Dessinez une flèche illustrant la direction de la caméra.
- Camions sont lorsque la caméra entre ou sort physiquement. Imaginez une photo d'un téléviseur, puis la caméra recule lentement pour révéler une famille regardant la télévision dans le salon. Utilisez 4 lignes, pointant du centre de l'écran vers les coins, pour montrer le camionnage.
- Mise au point du rack c'est quand vous avez un objet flou en arrière-plan et un objet clair au premier plan, alors la mise au point passe de l'un à l'autre (il peut aussi aller à l'envers). Tracez une ligne indiquant où commence le focus et où il se déplace.
Étape 3. Prenez des notes appropriées sur les transitions entre les plans
Les coupes suivantes sont parmi les plus courantes au cinéma et doivent être notées dans votre storyboard. Chacun nécessite un petit dessin à côté des mots, représentant visuellement la transition. Commencez par un petit rectangle, représentant l'écran, juste avant le dialogue, puis remplissez ce rectangle avec votre transition:
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Faire apparaitre en fondue, faire disparaitre en fondue:
C'est simplement lorsque l'image apparaît ou disparaît lentement d'un écran vide. Pour un fondu entrant, dessinez un triangle pointant vers la gauche. Pour un fondu sortant, dessinez un triangle pointant vers la droite.
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Dissolution croisée:
Lorsqu'une image passe lentement à la suivante. Pour le dessiner, faites deux triangles qui se croisent dans la boîte, en partant des quatre coins. C'est le fondu enchaîné et le fondu enchaîné des dessins superposés les uns aux autres.
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Essuyer:
Lorsqu'une image se déplace physiquement sur l'écran, révélant la prise de vue suivante en dessous. Tracez simplement une ligne verticale au centre du rectangle et une flèche la traversant pour indiquer dans quelle direction la première image se déplace.
Étape 4. N'oubliez pas les instructions de blocage de base pour vous aider à préparer le terrain et les acteurs
Les termes suivants font référence à la place d'un objet dans la prise de vue. Cela peut également aider à diriger le mouvement, par exemple si un personnage marche de l'arrière du plan vers l'avant, ce qui pourrait être exprimé par "BG → FG".
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Premier plan (FG):
La zone proche de la caméra.
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Milieu (MG):
Le centre du cadre
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Contexte (BG):
Ils sont les plus éloignés de la caméra.
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Hors écran (O/S):
Utile s'il y a un bruit, un dialogue, etc. que les téléspectateurs ne peuvent pas voir, ou si un personnage entre ou sort complètement du cadre.
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Superposition (OL):
Lorsqu'un objet ou une image se superpose à un autre mais que les deux sont visibles.
Étape 5. Étiquetez correctement vos prises de vue afin que le reste de l'équipe puisse les lire
En général, une "scène" sur un storyboard fait en fait référence à un mouvement de caméra ininterrompu, pas à un événement complet. Ces scènes sont additionnées pour former une « séquence », qui est l'ensemble de l'action, de la conversation, que vous décrivez (ce que vous appelez normalement une « scène »).
- Chaque fois que la caméra coupe, vous devez changer le numéro de la scène pour indiquer un nouveau plan.
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Si une seule scène nécessite plusieurs actions, le tout sans changer de caméra, elles sont étiquetées comme panneaux.
Si un plan nécessite trois storyboards, vous étiquetez chaque panneau comme 1/3, 2/3 et 3/3.
Étape 6. Visez la clarté, pas les symboles ou le vocabulaire parfaits, si vous êtes confus
Le but ultime d'un storyboard est de raconter visuellement le film, pas de passer un test de vocabulaire. Bien que vous deviez toujours vous efforcer d'apprendre la terminologie, vous voulez que les storyboards soient facilement lus par les réalisateurs, les directeurs de la photographie et le reste de l'équipe. Si vous avez une idée mais que vous ne savez pas comment l'exprimer, utilisez vos talents de dessinateur pour la transmettre le plus simplement possible. Des flèches, des notes et plusieurs panneaux doivent tous être utilisés pour partager vos idées créatives lorsque les mots ne suffisent pas.
- Imaginez un plan long et singulier, comme le début de Raging Bull. Bien qu'il n'y ait pas de coupe, vous ne pourriez jamais contenir ce plan dans un seul panneau. Vous auriez besoin d'enchaîner de nombreux panneaux avec des flèches, des notes et des dialogues pour planifier le tir.
- Les listes de vocabulaire ci-dessus sont loin d'être complètes - il y a des centaines de mots, de plans et d'indices qu'un storyboarder professionnel utilise. Pour être un professionnel, vous devez continuer à rechercher des termes professionnels.
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Des astuces
- Si cela vous aide, vous pouvez plier un morceau de papier en 6 carrés, pour encadrer facilement vos scènes ou télécharger un modèle de storyboard gratuit sur Internet.
- Les logiciels de storyboard ont souvent une base de données pour aider à garder une trace des informations de script, des accessoires, des emplacements, des directions de caméra, etc.
- Gardez votre public à l'esprit pendant que vous scénarisez. Pensez à ce qu'ils veulent voir, pas à ce que vous voulez dessiner.
- Vous n'avez pas besoin de dessiner parfaitement chaque image - un croquis approximatif est tout à fait correct.
